Перевод c итальянского языка Забавы Пузицкой
Опубликовано в журнале Вестник Европы, номер 50, 2018
16 октября 2016 года в Центре Современного
Искусства Луиджи Печчи в Прато, неподалеку от Флоренции, состоялось торжественное
открытие нового выставочного крыла, спроектированного голландцем Морисом Нио. Здание стало продолжением сооруженного по проекту Итало Галимберти в 1988 году
архитектурного комплекса в стиле «рацио». Оно похоже
на футуристический космический корабль, покрытый позолотой, который спустился
на Землю, чтобы стать вместилищем для богатой коллекции (больше
тысячи экспонатов) и библиотеки, хранящей альбомы по искусству XX и
XXI веков, журналы и аудиовизуальные материалы. Среди более трехсот
представленных художников выделяются итальянцы Миммо Паладино, Джулио Паолини, Фаусто Мелотти, Микеланджело Пистолетто
и мировые знаменитости — Энди Уорхол и Аниш Капур.
Далее нас ждет выставка «Конец света», «новорожденный» в новом здании: сюда
были приглашены 50 художников, которые попытались «здесь и сейчас» создать
произведение, так или иначе отражающее конец эпохи, когда основную ценность
составляли личные переживания и мысли
каждого творца.
Sensing the waves (Ощущая волны) — так назвал свое творение сам
архитектор, конечно, для того, чтобы обратить внимание на его символизм, и на то,
что индивидуальность формы — это сама жизнь.
Опыт Прато — один
из многих примеров того, как Италия стремится к популяризации своего
художественного наследия и неожиданно делает ставку на современное искусство,
таким образом развенчивая устаревший миф о том, будто
бы Италия — страна «ветхих древностей». Многие выставочные пространства
предлагают себя в качестве альтернативы широко известным государственным
музеям, характерным для больших городов, и муниципальным галереям. Такие
пространства ценны не только тем, что часто хранят уникальные произведения, но
и своим современным обликом в результате основательной реставрации,
осуществленной часто признанными мастерами международного уровня.
В некоторых случаях речь идет о музеях
«второстепенных», но оттого не менее значимых, а всего лишь более «тихих и
неизвестных»1, как сказали бы о художниках «второго плана» в сравнении с
великими мастерами XVI–XVIII веков. Несколько таких музеев создали в
2002 году Ассоциацию музеев современного искусства Италии (АМАСI) — с тем, чтобы вместе реализовывать общую программу
для привлечения внимания общественности к богатому наследию современного
искусства, хранителями которого эти музеи являются. Правда,
вскоре недостаточное финансирование и не слишком прозрачные политические решения
чуть было не привели к закрытию подобных площадок: как, например, случилось с
Музеем современного искусства имени Королевы Неаполитанской (Museo d’Arte contemporanea
Donna Regina di Napoli), расположенным в
историческом здании XIX века, в 2007 году преобразованным
португальским архитектором Альваро Сиза Виэйра: (в 2012 году он получил «Золотого Льва» за
вклад в искусство), вместе со Studio DAZ.
Минималистские решения нового архитектурного облика удачно подчеркнули
многоплановость здания, дополняя уже существующую панораму и расширяя
возможности выставочного пространства. Музей, который долгое время уже
находился в шаге от того, чтобы остаться без экспонатов и выставок, по причинам
экономическим и административным проваливший попытку реновации богатого
историей и традициями пространства, ныне снова живет полной жизнью.
В промежуточных залах музея, в самых потаенных
его уголках также были организованы различные выставки, а в мае 2017 года
на площадке музея был реализован перформанс J’ai brûlé dans tes yeux.
Je brûle (Я горю в твоих глазах. Я горю (фр.)) итало-французским коллективом Kulturscio’k.
Но еще более удивительными и новаторскими
выглядят проекты, касающиеся так называемых «альтернативных» площадок,
современных пространств, нередко занимаемых частными коллекциями. В этих
случаях для защиты личных коллекций, выставленных ранее для широкой публики,
необходимой оказалась реставрация зданий, находившихся в аварийном состоянии.
Любовь отдельных граждан к искусству во многом объясняет появление частных
собраний, сохраняемых в зданиях, представляющих архитектурную ценность
(вдобавок совмещающих роль жилого помещения с ролью выставочного пространства).
Речь идет, например, о старинных виллах и палаццо, находящихся в частном
владении, которые были реставрированы и соответствующим образом
переоборудованы. Такова, к примеру, судьба виллы Byblos
Amistà, которая с 2002 года стала частью
сети Byblos Art Hotel, и превратилась в своеобразный музей по проекту
миланского дизайнера Алессандро Мендини
(одновременно с реставрацией виллы XVIII века, проект которой
приписывается Иньяцио Пеллегрини),
превратившего историческую резиденцию в «отель чудес». Каждое помещение здесь
дышит искусством, и в первую очередь, конечно, «Ресторан-ателье», заполненный
произведениями таких мастеров, как Арнальдо Помодоро, Луиджи Онтани, Ванесса Бикрофт и Марк Куинн, тогда как в «Piter’s Bar» можно увидеть полотна нью-йоркского абстракциониста
Питера Хелли. Просторный центральный холл встречает посетителя работами таких художников, как Дэмьен Херст, Марк Куинн, Аниш Капур,
Ванесса Бикрофт и Маурицио Савини.
Отель известен тем, что все его помещения
декорированы в едином стиле роскошных веронских вилл XVII века, а также
своей постоянно пополняющейся коллекцией предметов искусства его владельца Дино Факкини. Так, например, в
2015 году коллекция значительно обогатилась, и теперь на стойке отеля
гостей встречает «Pyro» кисти Жана-Мишеля Баския, а с 2014 года некоторые помещения украшают
работы неаполитанки Марианджелы Левиты. Таким
образом, все функциональные зоны комплекса вместе с прилегающим парком
позволяют посетителям постоянно находиться в окружении произведений искусства.
Иными словами, все здесь — от столовых приборов до мебели —
становится элементом синтеза искусств: здесь есть место для дизайна, живописи,
фотографии, моды, скульптуры и архитектуры, в которых ярко представлены
основные и самые значимые течения XX и XXI веков. Окруженная зелеными
холмами Вальполичеллы, Вилла является ярким примером
популярной тенденции — организовывать музеи под открытым небом, а значит,
первостепенную роль здесь играет единение объектов искусства с природой.
Иногда бывает и так, что природные пространства
превращаются в произведения современного искусства: как, например, в работе
Альберто Бурри под названием «Великий Разлом», в Джибеллине, провинция Трапани,
работу над которой он начал в 1984 году, а закончил только в 2015-м. После
разрушительного землетрясения 1986-го жители покинули свои дома, и художник
принял решение превратить разрушенную деревню в произведение искусства,
сохранив городской пейзаж и покрыв руины толстым слоем белого бетона —
забетонированная плоскость вся изрезана трещинами, словно это улицы
несуществующего города, а вся композиция, безусловно, напоминает о судьбе
городка и его жителей. Церемония торжественного открытия состоялась лишь
17 октября 2015 года, раньше этому мешали экономические проблемы,
которые ещё в 1989 году повлекли за собой приостановку работ. «Великий
Разлом» (площадью 85 тысяч квадратных метров), тесно связанный с историей
Сицилии, стал самым масштабным произведением в жанре «Лэнд Арт» на территории Италии и ещё одним музеем под
открытым небом. Вместе с тем он выступает и в роли настоящего музейного
пространства, предоставляющего площадку художественным инсталляциям и перформансам; в 2010 году здесь прошел перформанс Audioghost68 режиссера Джанкарло
Нери. Ночью команда актеров, вооруженная
светодиодными факелами, маршем прошла по бетонированной поверхности, оставляя
за собой шлейфы света, в сопровождении звуков и шумов землетрясения 1986-го,
оживляя его в памяти. Кроме того, эту площадку облюбовала известная марка Bottega Veneta как место для
проведения съемки коллекции «Осень/Зима 2017», выполненную голландским
фотографом Вивиан Сассен,
которой в своих работах удалось уловить и передать атмосферу мемориала Джибеллины, напоминающего о разрушительной стихии.
Отдельно хочется отметить, что Bottega Veneta с 2001 года
состоит в группе компаний Kering, принадлежащей
меценату Франсуа Пино, успешному бизнесмену и
известному коллекционеру произведений искусства. Венецианский Фонд,
расположенный в Пунта-делла-Догана, должен посетить
каждый любитель современного искусства, оказавшийся в Италии. Подобные фонды
представляют собой интересный пример того, как «делается» альтернативное искусство
и как рождаются творческие объединения, такие как Comitato
Italiano Fondazioni Arte Contemporanea (Итальянский
Комитет Объединений Современного Искусства). Объединения такого типа находятся
в постоянном поиске средств и способов организовать выставки и заручиться
поддержкой других фондов, а потому они часто занимаются реставрацией и
перепланировкой уже существующих зданий: например, того, что привлекло самого
владельца коллекции Пино. Здание было переоборудовано
по проекту японского архитектора Тадао Андо, «великого мастера света и пространства», как назвал
его сам меценат на открытии выставки под названием Where
are we going?
(Куда мы идем?)2. Почувствовав очень личную связь с «возрождающимся зданием», Андо в своем проекте постарался преобразовать пространство
так, чтобы коллекция Пино изящно вписалась в этот
удивительный образец художественного наследия города, а вся композиция стала
достоянием всего мирового сообщества.
Многочисленны выставки, организованные Пунта-делла-Донгана и Палаццо Грасси,
начиная с той, что открывала новое пространство, и заканчивая недавней,
посвященной Дэмиену Херсту,
реализованной при поддержке Венецианской Биенналле.
Цель этого проекта, по словам Пино, состоит в том,
чтобы «Центр современного искусства, принявший поддержку Венеции, оставался
действительно современным», ведь в историческом контексте абсолютно понятно,
почему Королева Адриатики вдохновляла гениев во все времена. Показателен пример
японца Тадао Андо,
придумавшего новую концепцию внешнего вида здания и в то же время проявившего
уважение к его истории и традициям, к его формам и материалам: «инкрустации,
коррозии, смешанным техникам», из которых и состоит здание Догана-да-Мар,
с таким изяществом сочетающее глянцевые и матовые фрагменты. Японский
архитектор талантливо играет на контрасте текстур, на разнице старого и нового.
В дизайнерском решении технических элементов, обеспечивающих поддержание
одинаковой температуры во всем здании, он тоже придерживается максимально
простых и четких линий, подчеркивающих объем пространства3.
А в самой Венеции стоит отметить «пристанище
искусства», получившее новое обличье в 2016 году.
Им стал «Фондако-деи-Тедески»,
крытый рынок, построенный в 1228 году, а в XVI веке дополненный
прекрасными фресками и усилиями архитекторов Рема Колхаса
и Ипполито Пестеллини Лапарелли превратившийся в «исторический палимпсест»4,
заслуживающий пристального внимания. В ходе проекта многие стены и перегородки
были разрушены, чтобы появились новые перспективы и новые свободные формы, а
историческая планировка заиграла новыми красками. С террасы, отделанной
деревом, открывается великолепный вид на город, а подвижные красные лестницы
добавляют всему зданию стремительности в стиле хай-тек. Сегодня в здании Фондако
находится роскошный магазин, а различные мероприятия проходят в центральном
крытом дворике с полом из стали и стекла. Для выставок тоже найдется место:
инсталляция Underwater (Под водой) Фабрицио Плесси открылась в
пространстве Фондако в октябре 2016 года, и
основной ее идеей было осмысление исторической роли Венеции как связующего
звена между Востоком и Западом; или же инсталляция Лорис
Чеккини под названием Waterbones
(Водяные кости). Триста квадратных метра Павильона событий на четвертом этаже Фондако — пространство, готовое принять выставки,
организованные агентствами и частными лицами и все больше оживляющие перерожденное
здание.
На примере этого веницианского
сооружения мы можем видеть, как здание, изначально предназначенное для
коммерческих целей, может сохранить свою индивидуальность и меняться вместе со
временем, открывая пространства своих залов для современного искусства.
Впрочем, в реализации этого проекта большое
внимание было уделено защите структуры здания без попыток «ностальгической
реконструкции прошлого» и «десакрализации тайны
старого здания»5, ведь «для Фондако важно сохранить
историю в ее изменчивости», как сейчас и происходит с бывшим рынком, а
именно — серия архитектурных трансформаций в рамках реновации,
превращающая это здание в общественно полезное пространство6.
Рано или поздно искусство выходит из музейных
выставочных залов и вступает в диалог с широкой публикой, а значит, особую
ценность приобретают пространства, где возможно сосуществование. И эти новые
пространства могут передавать (распространять) символы, послания адресно, максимально точно и эффективно. Неаполь пришел к
этому ещё в 1995 году, когда критик Акилле Бонито Олива запустил проект «Летопись искусства», в
котором он предложил оформить некоторые станции
метро с помощью современных художников. Так,
место, изначально не претендующее на звание обители искусства. Усилия следующих
художников и архитекторов превратилось в подземный музей. Гаэ
Ауленти, Оливьеро Тоскани, Алессандро Мендини, Сандро Киа и Этторе Спаллетти,
Сальваторе и Миммо Паладино,
Алан Флетчер, Доминик
Перро, Марио Сирони, Карим Рашид,
Оскар Тускетс Бланка, Уильям Кентридж,
Луиджи Онтани, Яннис Кунеллис, Микеланджело Пистолетто, Франческо Клементе и других увенчались успехом. С 1995 года
запущенный Бонито Оливой творческий процесс по
созданию «обязательного музея» не прерывался — среди трех открытых станций
метро в первую очередь выделяется станция «Municipio»
(«Ратуша»), которая славится своей глубиной, Ее спроектировали
Алваро Сиза Виэйра и
Эдуарду Соуту де Моура. Она
похожа на многоуровневый сад, заполненный удивительными творениями,
вдохновляющими на художественное переосмысление подземной части Неаполя. Так,
например, именно благодаря этой станции городское управление организовало «Metro Art Tour
(Тур по метро)» — серию экскурсий по станциям метрополитена, которые очень
кстати превратились в выставочные залы. Успех задумки был окончательно признан
в 2012 году, когда «Daily Telegraph»
присвоила станции «Толедо» звание «самой красивой в Европе». Ее оформлял Оскар Тускетс Бланка, а дополняют экспозицию фотографии
знаменитого Оливьеро Тоскани
и мозаики Уильяма Кентриджа и Аурелиано
Букколиери, в которых нашли отражение исторические
события города.
Примеру Неаполя последовала Брешия,
запустив проект SubBrixia, в рамках которого с
2015 года на некоторых станциях метро устанавливаются инсталляции site specific (как, например,
произведение Элизабетты Бенасси,
которое возвещает о начале каждого часа, выдавая случайную фразу, составленную
из «осторожно, двери закрываются» и прочих «уважаемых пассажиров»); или
другая — готическая Минерва Патрика Туттофуоко —
она как будто играет на бас-гитаре,
и звук превращается в светомузыку, перетекая по неоновым трубам, олицетворяя
собой связь между прошлым города и его настоящим. Пока маршрут искусства
составляют только пять станций, однако в скором времени планируется подключить
к нему ещё 17 станций, и в результате образуется самобытный музей
современного искусства, доступный каждому.
Иногда форма произведения становится объектом
пристального внимания как художественного сообщества,
так и туристов, как, например, случилось со зданием порта в Салерно (здание
завершено в 2016 году, построено по проекту недавно ушедшей Захи Хадид, англо-иранского
архитектора). Кажется, это здание в виде асимметричной раковины было создано
самим морем, настолько очевидна их особенная связь — его абрис напоминает
волнующееся море, а само оно словно замерло между сушей и водой, между незыблемым и изменчивым. Выполненное из стекла и бетона (то есть из
«современных» материалов), здание прекрасно отражает свет и тем самым
напоминает брызги волн, блестящие в солнечном свете. По вечерам здание
превращается в маяк, приветствуя путешественников с моря: это и дань
традиционному назначению Неаполитанского порта, и залог безопасности
мореплавателей. Можно смело сказать, что этот успешный проект превратил
терминал в «символ архитектурного наследия, дизайна, новшеств и современности»,
а также в «центр притяжения для посетителей и устроителей выставок, культурных
и туристических событий»7.
Оригинальное произведение гениальной Захи Хадид невероятно
привлекательно для туристов ещё и потому, что представляет собой поликультурную
площадку для разных искусств.
Схожие концепции нашли свое
отражение в опыте Feeding the
Planet, Energy for Life («Накормить планету. Энергия для жизни») на
международной выставке Экспо-2015 посвященной теме еды и питания, которая
проходила с 1 мая по 31 октября в Милано Фиера. Посетители выставки получили уникальный
всеохватывающий опыт, выраженный самыми разными способами — от архитектуры
до фотографии.
Самым значимым объектом Экспо-2015 стало
Древо Жизни — скульптурное сооружение, перекликающееся с проектом
Микеланджело замостить Римский Капитолий в XVI веке (его идея
осуществилась лишь много лет спустя) и созданное Объединением «Orgoglio Brescia», в которое
вошли представители 19-ти городских организаций. И сегодня Древо Жизни можно
увидеть на том же месте, ведь оно остается одним из главных предметов интереса
туристов в Парке Experience, открывшемся на месте Экспо — в мае 2017 года. В парке проходит шоу
танцующих фонтанов Day Fountain
Show, сопровождаемое музыкой и световыми
спецэффектами, а в центре композиции неизменно находится Древо Жизни. Также в
Парке можно увидеть и Палаццо Италия — один из символов Экспо-2015,
предмет «национальной гордости»8, спроектированный студией Nemesi&Partners,
и задумывавшийся как скульптурная конструкция, сплетение линий, воссоздающее
древний римский город, построенный на пересечении кардо
и декуманус. Все здание тяготеет к лэнд-арту, что неудивительно — настолько гармонично
переплетаются здесь рукотворное и природное. Все эти такие разные произведения
объединены общей идеей: искусство не должно оставаться недоступным, закрытой
элитарной привилегией: напротив, оно должно быть как можно ближе к настоящей
жизни и настоящим людям, которые и сделали его возможным. В Италии, пропитанной
культурой, искусство должно стать доступным и принадлежать народу, принадлежать
всему обществу. Речь идет, конечно, об искусстве, которое сегодня популярно, а
значит — действительно становится частью богатой и увлекательной истории
Италии.
Перевод c итальянского языка Забавы Пузицкой
Bibliografia e sitografia
Domus, maggio
2017. Milano, Editoriale
Domus S.p.A., 2017.
A. Colonetti,
Un gioco di
scatole pratesi, in “Art e
Dossier”, Firenze, Giunti, marzo
2017.
V. Sgarbi, Dall’ombra alla luce. Da
Caravaggio a Tiepolo. Milano, La Nave di Teseo Editore, 2016.
L. Pratesi, Appesi a un filo,
in “Art e Dossier”, Firenze, Giunti, gennaio 2011.
F. Dal Co, Tadao Ando per François Pinault.
Dall’Ile Seguin a Punta della Dogana. Milano, Electa, 2009.
Where are we going? Opere
scelte della
collezione François Pinault,
a cura di A. M. Gingeras e J.Bankowsky. Milano, Skira, 2006.
Fondaco dei Tedeschi.
Fdt.
Cultural masterplan, issue 01.
www.anm.it
www.artribune.com
www.beniculturali.it
www.bybloarthotel.com
www.comitatofondazioni.it
www.domusweb.it
www.elledecor.it
www.oma.eu
www.ilgiornaledellarchitettura.com
www.zaha-hadid.com
Примечания
1 P. Di Paolo, Una
cura che fa scintillare in V. Sgarbi, “Dall’ombra alla luce.
Da Caravaggio a Tiepolo”. Milano,
La nave di Teseo, 2016, p.
V.
2 Where are we going? Opere scelte della collezione
François Pinault, a cura
di A. M. Gingeras e J.Bankowsky. Milano, Skira, 2006,
p. 17.
3 F. Dal Co, Da Dogana da
Mar a Museo in “Tadao Ando
per François Pinault. Dall’Ile
Seguin a Punta della Dogana”. Milano, Electa, 2009,
pp. 19-23, p. 22.
4 www.deezen.com
5 www.oma.eu
6 Fondaco dei Tedeschi. Fdt. Cultural masterplan, issue 01.
7 www.ilgiornaledellarchitettura.com
8 www.experiencemilano.it
© Валентина Мотта
© Перевод Забавы Пузицкой