Отдел фотографии. История формирования коллекции. 10 известных фотографий коллекции Метрополитен-музея
Опубликовано в журнале Вестник Европы, номер 34, 2012
Нью-Йоркский Метрополитен-музей
Отдел фотографии
История формирования коллекции
Ольга Аверьянова
Кандидат искусствоведения, заведующая отделом искусства фотографии ГМИИ им. А.С. Пушкина
Фотография с момента своего рождения и примерно до середины ХХ века представляла собою своего рода артель мастеров-одиночек. Хотя почти сразу же появились фотографические объединения и даже журналы: например, организованное Альфредом Штиглицем (Alfred Stieglitz) общество Photo-Secession (США); печатным органом “пикториалистов” стал ежеквартальник Camera Work. Однако фотография не считается искусством, она еще не представляет никакого интереса для галерей и музеев, для потенциальных инвесторов арт-рынка. Тем не менее фотографическое искусство исподволь обретало социальную структуру, которая включала исследовательские практики, образовательные программы, традиции по хранению и демонстрации произведений, иерархическую систему публичной репрезентации. Таким образом, фотография не только поддерживалась соответствующими культурными институциями, но и менялась под их воздействием, а возможность музеефикации того или иного “культурного продукта” всегда привлекала к нему как “игроков” арт-рынка, так и абсолютных профанов. Система международного музейного коллекционирования и выставочного обмена постепенно меняла самосознание медиума, принципы его взаимоотношений с внешним миром.
Музеи начали собирать фотографические произведения примерно с конца 30-х годов ХХ века. Первый специализированный музей появился в 1947-49 гг. Его основал руководитель компании Kodak — Джордж Истман (George Eastman). В 1940 году МОМА (Нью-Йорк) первым организует Отдел фотографии.
Одной из важных страниц истории музейного коллекционирования стала организация самостоятельного фотодепартамента в старейшем музее изобразительного искусства — Метрополитен (США, Нью-Йорк). Таким образом, международное экспертное сообщество окончательно признало фотографию искусством, с тех пор она имеет не только “частную историю”, как в случае с музеем Истмана, но прежде всего получила безоговорочную оценку как fine art. Разделы высокохудожественной фотографии появляются в 1970-х годах и в других музеях. Собирательство, исследовательская и экспертная работа начинает проводиться во всех крупнейших мировых культурных институциях. Фотография к тому же оказалась довольно выгодным “предприятием”. Разумеется, цены на произведения фотографов еще далеки от стоимости многих других “продуктов” изобразительного искусства, но, с другой стороны, благодаря выставкам фото внимание массового зрителя привлекалось также и к традиционным хранилищам классического искусства. Итак, в летописи медиума наступила новая эпоха, история которой будет рассказана на страницах нашего журнала.
Отдел фотографий нью-йоркского Метрополитен-музея рассматривает историю светописи от ее изобретения в 30-х годах XIX века до наших дней. Коллекция из более чем двадцати тысяч работ в значительной степени состоит из произведений европейских и американских фотографов, хотя география работ более широкая (например, в музее есть большой архив японских оригинальных изображений). Собрание Метрополитен-музея состоит из нескольких весьма объёмных разделов: Gilman Paper Company Collection представлена ранними французскими, британскими и американскими отпечатками, также шедеврами рубежа XIX-XX веков и периода “ар-нуво”. The Rubel Collection — это прежде всего превосходные британские образцы первых трех десятилетий истории “механистического искусства”; The Alfred Stieglitz Collection — лучшие примеры стиля “pictoral”, эпохи фотографических объединений, “Фотосецессиона” (1902-1917); The Ford Motor Company Collection — американская и европейская фотография периода между двумя мировыми войнами; личный архив фотографа Уокера Эванса (США, 1903–1975). Коллекция Метрополитен-музея представляет собою уникальное собрание, наглядно демонстрируя эволюцию развития фотографии как самостоятельной творческой практики — от простой документации до утонченного эстетства, от исследований идентичности — к величественным выражениям возвышенного и прекрасного, от констатации —
до интерпретации.
Фотография — процесс технологический, поэтому каждый этап развития техник производства изображений и их репродуцирования связан с изменениями художественного языка, визуальными экспериментами, в конце концов, концептуальными программами. В собрании Метрополитен-музея есть прекрасные образцы всевозможных способов получения картинки при помощи света: “фотогеничные рисунки” 1830-х, дагерротипы, амбротипии и тинтотипии (единственные в своем роде изображения на посеребренной меди, стекле или железе, соответственно); “соленая бумага” — тиражные принты с бумажных негативов; альбуминовые отпечатки, получаемые со стеклянных негативов; гуммиарабики, бихроматы, платинотипия и палладиевые отпечатки; серебряно-желатиновые “стандарты” черно-белой фотографии ХХ века и множество цветных работ.
Сегодня, в век компьютеров и Интернета, шедевры коллекции представлены online, и всякий желающий расширить свои знания о предмете может познакомиться с ними. В залах музея представлена та или иная экспозиция из постоянного архива, которая время от времени меняется, ибо это в первую очередь связано с уникальностью собрания, требующего особого режима экспонирования и хранения.
Самые ранние образцы “нового искусства” появились в Метрополитен-музее благодаря двум первым хранителям печатных изданий — Уильяму Ивинсу-младшему (William Ivins Jr.) и А. Хьятту Майору (A. Hyatt Mayor). Так что произведения фотографов были включены в коллекцию уже в 1928 году. Альфред Штиглиц — редактор роскошного и влиятельного “культурологического” журнала Camera Work, сторонник принятия фотографии в “пантеон искусств”, сделал свой первый подарок музею — то были 22 отпечатка из его самых известных работ. Десятилетия всё это хранились в Отделе печатных изданий, переименованном в Отдел печатных изданий и Фотографии в 1970 году. Постепенно собрание пополнялось. Независимый кураторский отдел, посвященный только фотографии, был образован в 1992 году.
Среди сокровищ музея — самые ранние образцы фотографического искусства: чрезвычайно редкий альбом Уильяма Генри Фокса Тэлбота (William Henry Fox Talbot), сделанный спустя всего несколько месяцев после того, как он представил свое изобретение общественности; большое количество дагерротипических портретов, производимых Бостонской студией Сауфуорта и Хоуза (Southworth and Hawes); ранние пейзажные фотографии американского Запада представлены работами Тимоти О’Салливана (Timothy O’Sullivan) и Карлтона Уоткинса (Carleton Watkins); прекрасные образцы французской школы, начиная с мастеров 50-х годов XIX столетия, таких как Эдуард Бальдю (Édouard Baldus), Эжен Гувелер (Eugéne Cuvelier), Гюстав Ле Грэ (Gustave Le Gray), Анри Ле Сека (Henri Le Secq), Надара (Nadar), и других не менее прославленных фотографов представляют блистательное европейское собрание.
В 1997 году Метрополитен-музей приобрел 78 фотографий XIX века из известной Rubel Collection, которую на протяжении 1970-х собирал молодой коллекционер из Калифорнии Уильям Рубель (William Rubel). В собрание попали редкие и хорошо сохранившиеся работы четырех ключевых фигур ранней британской фотографии: Уильяма Тэлбота, потрясающего творческого дуэта живописца и фотографа Дэвида Октавиуса Хилла и Роберта Адамсона (David Octavius Hill and Robert Adamson), Роджера Фэнтона (Roger Fenton), Джулии Маргарет Камерон (Julia Margaret Cameron); все вместе они представляют в музее “лицо британской фотографической школы”.
Барон Альфред Штиглиц сделал Метрополитен-музею два подарка — в 1928 и 1933 годах, а после его смерти в 1946 году значительная часть его произведений была передана по его завещанию. Коллекция состоит из более чем 600 работ этого великого фотографа, успешного издателя и одного из первых американских галеристов. В дополнение к превосходным примерам его собственных работ наследие Штиглица включает, пожалуй, лучшую коллекцию фотографий художников-пикториалистов, прежде всего входящих в объединение “Фотосецессион”, которое существовало вокруг его влиятельной галереи 291 и издаваемого в тот же период альманаха Camera Work. Коллекция включает также большие отпечатки наиболее известных работ Эдварда Стайхена (Edward Steichen) в стиле “pictoral”. Из особенно ценных — три уникальных авторских отпечатка The Flatiron: фотоаппарат зафиксировал американский небоскреб, в быстро меняющихся сумерках. Помимо этого в коллекцию вошли фотографии Ф. Холлэнда Дейя (F. Holland Day), Адольфа де Мейера (Adolphe de Meyer), Гертруды Кэзебир (Gertrude Käsebier), Пола Стрэнда (Paul Strand) и Клэренс Х. Вайт (Clarence H. White).
В 1997 году музей получил в дар 73 портрета Джорджии О’Кифф (Georgia O’Keeffe), художницы, фотографа, близкой подруги и музы таких известных американских мастеров, как Стрэнд и Штиглиц. Дар Дженнифер и Джозефа Дюка и Фонда Джорджии О’Кифф (Jennifer Joseph Duke and The Georgia O’Keeffe Foundation). Эта коллекция представляет один из известных творческих и любовных союзов ХХ века. Фотографии, переданные музею, лишь часть серии, которая состоит из более чем трехсот изображений, датируемых периодом между 1917 и 1937 годами.
Коллекция Ford Motor Company, собранная Джоном К. Уодделлом (John C. Waddell), была подарена Метрополитен-музею в 1987 году компанией Ford и г -ном Уодделлом и представляет 500 работ авангардной европейской и американской фотографии, сделанных в период между двумя мировыми войнами. Беренис Абботт (Berenice Abbott), Брассай (Brassaï), Уокер Эванс (Walker Evans), Андре Кертеш (André Kertész), Ман Рэй (Man Ray), Ласло Мохоли-Надь (László Moholy-Nagy) и еще около семидесяти других фотографов в своих работах отразили весь спектр модернистских поисков того времени — от жанровой и портретной фотографии до абстрактных композиционных построений (выполненных при помощи нехитрых манипуляций с предметами и прямой их “засветкой” на фотобумаге).
Личный архив Уокера Эванса, приобретенный музеем в 1994 году, дал возможность и специалистам — историкам фотографии, и широкой публике увидеть и в полной мере познакомиться с творчеством этого оригинального фотографа. Архив содержит почти 40 тысяч негативов мастера наряду с его личными бумагами, большим количеством открыток, газетных и журнальных вырезок, работ других авторов.
В дополнение к этому обширному визуальному фотографическому наследию в 2005 году Метрополитен-музей приобрел коллекцию Gilman Paper Company, которая демонстрирует уникальные образцы первого столетия (1839–1939) возникновения и развития искусства фотографии. Коллекция по праву считалась лучшим в мире частным собранием, что позволило музею стать одним из лидеров — обладателей уникальных собраний произведений художественной фотографии. Архив Джилмэна содержит более восьми с половиной отпечатков, включая многие редкие и безупречные с точки зрения сохранности произведения великих фотомастеров. В него включены и не столь выдающиеся имена, а также работы совсем неизвестных фотографов, но все они обладают исключительной художественной ценности. Бóльшая часть отпечатков относится к наиболее ранним оригиналам техники “светописи”, сделанным пионерами дагерротипии
и колотипии.
Послевоенный период в коллекции Метрополитена представлен знаковыми американскими именами, иллюстрирующими все течения в медийном искусстве: от расцветшей в то время документалистики до сюрреалистических и первых постмодернистских опытов. Здесь можно увидеть вещи Гарри Каллахана (Harry Callahan), Роберта Франка (Robert Frank), Уильяма Кляйна (William Klein) и Гарри Виногрэнда (Garry Winogrand). Музей активно собирает и современную фотографию начиная с 1960-х годов: концептуальные шедевры представлены работами Роберта Смитсона (Robert Smithson), Гордона Матта-Кларка (Gordon Matta-Clark) и Дугласа Хублера (Douglas Huebler). “Дюссельдорфская школа” — работами Бернд и Хилла Бехеров (Bernd and Hilla Becher) и их студентов Томаса Струта (Thomas Struth), Томаса Раффа (Thomas Ruff), Андреаса Гурски (Andreas Gursky). “Новое поколение художников” включает произведения Синди Шерман (Cindy Sherman) и Ричарда Принса (Richard Prince), других ведущих современных авторов, которые используют фотографию в своих художественных экспериментах: Адама Фусса (Adam Fuss), Родни Грэма (Rodney Graham), Чарльза Рея (Charles Ray).
В сентябре 2007 года Метрополитен-музей открыл так называемый зал Джойса и Роберта Меншеля (Joyce and Robert Menschel Hall) для экспонирования актуальной фотографии. Это первая галерея, специально разработанная для подобной цели, в ней показаны работы, созданные с 60 -х годов прошлого века по настоящее время. Зал Menschel с экспозицией, которая меняется каждые шесть месяцев, позволяет отделу показывать самые современные поступления в рамках более широкого контекста фотографических традиций, выставленных для обозрения в соседней галерее Роберта Вуда Джонсона-младшего (Robert Wood Johnson, Jr. Gallery). Галерея Говарда Джилмэна (Gilman Gallery) была первым постоянным залом музея, посвященным показу исключительно фотографий. Она была открыта в октябре 1997 года. В ней выставляются произведения из основного фонда Отдела фотографии. Три раза в год организуются новые выставки, представляющие художественные фотографии как американских, и европейских, так и восточных мастеров.
В 2001 году Метрополитен приобрел первую работу видеоискусства — Энн Гамильтон (Ann Hamilton’s) и теперь продолжает собирать произведения подобного жанра, представляющие кураторские интересы и являющиеся существенными событими в области медийных искусств. Речь идёт о работах Даррена Алмонда (Darren Almond), Oма Фэста (Omer Fast), Дэвида Хэммонса (David Hammons), Джонатана Горовица (Jonathan Horowitz), Шарон Локхарт (Sharon Lockhart).
В 2007 году Отдел фотографии получил роскошный подарок — полный архив Дианы Арбус (Diane Arbus), включающий сотни ее ранних фотографий; негативы, контактные отпечатки, 6 500 катушечных плёнок, а также и коллекцию фотографий, которую собирала Арбус, её библиотеку и личные бумаги. Одновременный с этим приобретением музей купил 20 культовых работ фотографа.
Фотографии, иллюстрированные книги и альбомы из музейной коллекции, архива Уокера Эванса, из собрания Джойса Ф. Меншеля представлены для специалистов и всех интересующихся историей искусства фотографии и доступны для изучения в библиотеке и Фотографическом отделе Метрополитен-музея.
1. 1835 William Henry Fox Talbot.The Oriel Window, South Gallery, Lacock Abbey . Photogenic drawing negative. The Rubel Collection, Purchase, Ann Tenenbaum
and Thomas H. Lee and Anonymous Gifts, 1997.
ї The Metropolitan Museum of Art
В 1835 г. Уильям Тальбот зафиксировал солнечный луч. Это был снимок сквозь зарешеченное окно его дома. Тальбот использовал кусок писчей бумаги с нитратом соли и серебра, поместив его в небольшую деревянную камеру, размещенную на камине напротив окна. Выдержка длилась в течение часа, тогда-то и был получен первый в мире негатив. Приложив к нему светочувствительную бумагу, приготовленную тем же способом, фотограф впервые сделал и позитив. Свой способ съёмки изобретатель назвал калотипией (“красивый отпечаток”). Этот первый позитив был попыткой получить снимки исключительно под воздействием света и химических веществ. Сегодня теперь уже плохо различаемый вид на аббатство Лекок сквозь застекленный эркер дома Тальбота — замечательный раритет, который ранее находился
в коллекции Рубеля, а затем попал в музей.
2. 1845-50 Albert Sands Southworth. Selfportrait. Daguerreotype. Gilman Collection, Gift of The Howard Gilman Foundation, 2005. ї The Metropolitan Museum of Art
Многих людей, позировавших перед фотоаппаратом, не покидало ощущение, что тем самым они утверждают и подтверждают факт своего существования на свете. Одни снимались с семьей и друзьями, другие — с предметами, свидетельствовавшими об их особых интересах, склонностях или чертах характера. Замысел фотопортрета больше зависел от заказчика, нежели от фотографа, который ведал главным образом чисто технической стороной дела. Исключением из этого правила были двое бостонских дагеротипистов — Альберт Сэндс Саутворт и Джошуа Джонсон Хоус. Традиционно люди снимались стоя или сидя, но Саутворт и Хоус игнорировали это правило и фотографировали своих клиентов в “свободных” позах, которые, по их мнению, наиболее полно выражали характер портретируемого — будь то самолюбие верховного судьи, темперамент известной актрисы или сдержанность экс-президента. В коллекции Метрополитен-музея есть известная работа Альберта Сэндс Саутворта “Автопортрет в виде бюста”. В этой эксцентричной дагеротипии художественные амбиции творческого дуэта продемонстрированы довольно явственно. Саутворт в облике классического бюста. Ручную раскраску, вероятно, делала сестра Саутворта — Нэнси, которая пришла в компанию в 1841 году и в 1849-м вышла замуж за Хоуса. Портрет необычен еще и тем, что, за редкими исключениями, американская дагеротипия редко обращалась к теме “ню”. Странная вещь, в чем-то даже мистическая (вписан в овал, обнажен, взгляд тревожный и какой-то отстраненный). Одной из первых подобных фотографий был “Автопортрет утопленника” Ипполита Байара, который в октябре 1840 года, после того как Академия наук не оценила его изобретений в области фотопечати, сфотографировал себя в образе утопленника, а на задней стороне снимка написал трагическое послание самоубийцы. Тема смерти, “memento moró”, отделения души от тела и подозрение, что фотограф может запечатлеть гораздо больше, нежели видит глаз, — все это витало в воздухе. Уже в начале 60-х годов XIX века Уильям Мамлер из Бостона с помощью двойной экспозиции создал свой парадный портрет, на котором будто нечаянно был “проявлен” призрак умершей родственницы. Всеобщее повальное увлечение общества спиритизмом помогало фотографом на подобных практиках
зарабатывать немалые деньги.
3. 1855 Roger Fenton. Moscow, Domes of Churches in the Kremlin. Salted paper print from paper negative. Gilman Collection, Gift of The Howard Gilman Foundation, 2005.
ї The Metropolitan Museum of Art
В августе 1852 года Роджер Фентон — один из первопроходцев британской фотографии и первый официальный военный фотограф по приглашению своего друга, инженера Чарльза Вигнолса/Vignoles, отправился в Россию, чтобы сфотографировать подвесной мост, который тот строил в Киеве для царя Николая I через Днепр. Фентон тогда ещё не обладал большим опытом, но он не ограничился только одним заказом. В своей работе он использовал процесс негатива на “вощеной бумаге”, введенный в обиход Густавом Ле Грее. Вернувшись в Лондон в конце ноября, фотограф привез снимки, запечатлевшие достопримечательности Киева, Санкт-Петербурга, Москвы. Это были первые фотографии русских городов, сделанные британским подданным. После блистательной победы над Наполеоном Европа, и особенно Англия, воспринимали Россию как восходящую державу XIX века. Иностранцы знали лишь понаслышке об огромной империи, раскинувшейся меж Европой и Азией. Москва с её позолоченными куполами и башнями Кремля выглядела весьма экзотично, напоминая исчезнувшую Византию. Фентон сфотографировал купола Успенского собора на уровне глаз, по всей видимости, с нижнего уровня аркады колокольни Ивана Великого, самого высокого в то время здания города, глядя на запад через Соборную площадь на церковь Теремного дворца. На снимке позади собора виднеется скромная церковь Ризоположения, но все внимание зрителя приковано к Успенскому собору, построенный в 1475-79 гг. Аристотелем Фиораванти. В этом соборе проходила коронация русских царей, здесь хоронили православных патриархов. Архитектура Успенского храма сочетала средневековые русские черты с гармоничной геометрией раннего итальянского Возрождения. Собор стал символом провозглашенной при Иване III идеи “Москва — третий Рим”. Фентон создал целую серию снимков архитектуры русских городов, но, как и Ле Гре, в фотографировании мертвых памятников его интересовали “живые триумфы …
человеческого гения и гордости”.
4. 1855 Nadar. Pierrot Laughing. Gelatin-coated salted paper print. Purchase, The Horace W. Goldsmith Foundation Gift, through Joyce and Robert Menschel, 1998.
ї The Metropolitan Museum of Art
Серию “Пьеро” великий французский портретист Надар снял в 1855 году в качестве рекламы собственной модной и весьма успешной студии. “Смеющийся Пьеро” — одна из работ цикла, находящаяся в коллекции музея Метрополитен. Современному образу Пьеро мы обязаны знаменитым французским мимам Жан-Батисту Гаспару Дебюро и его сыну Шарлю. Именно они заменили большой гофрированный воротник и широкополую белую шляпу персонажа комедии дель’арте набелённым лицом и небольшой круглой чёрной шапочкой — такой образ Пьеро известен и ныне. Шарль Дебюро, тоже актер пантомимы, снялся у братьев Надар, позируя в серии “выражения чувств” (têtes d’expression). Эта серия пользовалась огромной популярностью. Самым известным снимком стало изображение мима с фотоаппаратом (сейчас эта работа хранится во Франции, в музее Д’Орсе), но “смеющийся Пьеро” ничуть не уступает ему по своим художественным качествам.
5. 1904 Edward J. Steichen.The Flatiron. Gum bichromate over platinum print.
Alfred Stieglitz Collection. ї The Metropolitan Museum of Art
Эдвард Стейхен для печати одной из самых знаменитых фотографий Flatiron (“Утюг” — известное сооружение в Нью-Йорке, имеющее форму утюга) добавил цветную платину, что стало основным эффектом этой фотографии. В коллекции музея есть еще два варианта отпечатков, имеющих другие оттенки. “Утюг” — это квинтэссенция хроматического изображения сумерек в фотографии. Очевидна связь искусства фотографии с японской ксилографией, которая была в моде в начале века, и с её колористическими эффектами, а также с серией Nocturnes художника Джеймса Уистлера. Эти работы являются ярким примером сознательного интереса фотографов круга Альфреда Штиглица, к которому относился Стейхен, к художественным поискам современных художников. Штиглиц выбрал эту работу для “Международной выставки пикториальной фотографии”, состоявшейся в Художественной галерее Олбрайт (ныне Albright-Knox Art Gallery) в Буффало, Нью-Йорк, в 1910 году. Выставка шестисот фотографий представляла знаковых мастеров этого ведущего направления конца XIX — начала ХХ века. Благодаря усилиям Штиглица фотография стала восприниматься как один из видов изобразительного искусства.
6. 1925 László Moholy-Nagy.Decorating Work, Switzerland.
Gelatin silver print. Gilman Collection, Purchase, Robert Rosenkranz Gift, 2005. ї 2011 Artists Rights Society (ARS), New York, The Metropolitan Museum of ArtЛасло Мохой-Надь (Moholy-Nadi) сыграл ключевую роль в формировании знаменитой школы Bauhaus в Германии (Веймар и Дессау) с 1923 по 1933 г., так и в Новом Баухауз (впоследствии Институт дизайна) в Чикаго, где венгерский мастер фотоискусства работал с 1937 года вплоть до своей смерти в 1946 году. В начале своей карьеры он был связан в Берлине с экспрессионистами и дадаистами. Основным вкладом Мохой-Надя в эстетику модернистской фотографии было так называемое “новое видение” (Das Neue Sehen), в котором предлагалось использование так называемых фотограмм, засвечивая чувствительную фотобумагу с наложенными на неё предметами, негативов, резких ракурсных точек зрения, радикальной обрезки изображений. Он включал в снимки введение “чужие” элементы, такие как тексты и серийные номера отпечатков, фотомонтажи, коллажи из разных работ. “Декораторская работа. Швейцария”, которую также носит название “Разрозненный дом” (1924), демонстрирует один из важнейших конструктивистских принципов — ракурс, создающий эффект нематериальности объекта, лишая его физических свойств, превращая изображение в ритмически организованную композицию из линий и пятен. Плавающая, нефиксированная точка зрения и синтетическая конфигурация пространства, а также видоизмененная фигура маляра становятся всего лишь одним из элементов в геометрической композиции. Хрестоматийная композиция Александра Родченко из цикла “Дом на Мясницкой” с балконами была снята в том же 1924 году. Думал ли Махой-Надь о конструктивизме и модернистских принципах, когда делал этот снимок, или “игривые” моменты, столь свойственные школе Bauhaus, вдохновили фотографа снять забавный ракурс снизу работающего человека, или он попал на снимок случайно, когда Махой-Надь фотографировал “производственную тему”? Сделал бы он фотографию на день или два позже, когда работа маляра была завершена?
7. 1958 Robert Frank. Fourth of July, Coney Islan. Gelatin silver print.
Purchase, Alfred Stieglitz Society Gifts, 2002.
ї 2005 Robert Frank, The Metropolitan Museum of Art
Роберт Франк путешествовал по своей стране в середине 1950-х и делал фотографии, которые впоследствии составят его знаменитый альбом “Американцы”. После этого турне его впечатления от Америки радикально изменились. Он обнаружил в Америке гораздо меньше свободы и толерантности, о которых так любила говорить официальная пропаганда и которые так устойчиво закрепились в сознании послевоенной Европы. Люди являли куда больше отчуждения и расовых предрассудков в “стране равных возможностей”. Наиболее остро впечатление разочарования охватывает при виде снимка афро-американца, который, скрючившись в позе зародыша, спит на пляже Кони-Айленда после празднования Дня Независимости. Это была одна из последних фотографий Франка из серии, похоже даже, что самая последняя, ибо в начале 1960-х годов Роберт Франк обратился к кинематографу. Одинокая фигура спящего негра стала своего рода эпитафией фотографии. Франк решил отвернуться от фотожурналистики как фиксации реальной жизни, чтобы сосредоточиться на более авторском вúдении. Образы его фильмов скорее выдуманны, нежели правдивы.
8. 1966 Diane Arbus. A Young Brooklyn Family Going for a Sunday Outing, N.Y.C., Gelatin silver print. Gift of Danielle and David Ganek, 2005
ї The Metropolitan Museum of Art
Диана Арбус избрала для своих фотографий маргиналов, изгоев общества: лилипутов, нудистов, трансвеститов. Обычные, нормальные люди были ей неинтересны. Была ли она циником или все же сочувствовала своим “героям”? Диана считала цирковых уродцев аристократами, а трансвеститов — пионерами, разрушающими генетические барьеры. В них она не видела ничего такого, что вызывало бы жалость или отвращение. Я была поражена, увидев, как Арбус смеется над “невероятной невразумительностью” молодой бруклинской семьи с умственно отсталым сыном, которую она запечатлела. Это фотография из ее огромного наследия — бесценный архив был приобретен музеем в 2007 году. Её слова прозвучали достаточно жестко, но позже, в другом интервью, говоря о своей героине, Арбус с неожиданной симпатией призналась, что “эта леди необычайно тронула ее”. Одна из самых известных фотографий Арбус — “Молодая бруклинская семья на воскресной прогулке” (A Young Brooklyn Family Going for a Sunday Outing, N.Y.C., 1966). С начёсанными черными волосами и жирно подведенными бровями, молодая женщина стремится быть похожей на Элизабет Тейлор, ей кажется, что она вполне преуспела в этом. Её руки отягощены сумкой, леопардовым пальто, маленькой дочкой. Рядом с ней муж, держащий за руку мальчика-дауна. Лицо, тело, голова ребенка перекошены, но он оказывается единственной “живой” фигурой среди застывших манекенов, хотя искалеченное его тело заполняет все пространство между родителями. В книге “Откровения” Диана Арбус писала: “В некоем болезненном смысле они были явно, неоспоримо близки”. Нас волнуют не модели, не персонажи, которых фотографировала. Арбус, но снимки циркачей или пары близнецов столь же потрясающи. Порою близость, интимность просто шокируют. Эти люди живут в собственном мире, своею жизнью, им нет никакого дела до того чрезмерного внимания, которое оказывают им окружающие, особенно зеваки.
9. 1981 Cindy Sherman. Untitled № 87, Chromogenic print. Purchase, Samuel J. Wagstaff Jr. Bequest, 1995, ї Cindy Sherman, The Metropolitan Museum of Art
Сегодня, по версии ArtFacts.net, Синди Шерман является самой известной и влиятельной художницей в мире фотографии. Между 1977 и 1980 годами Шерман создала серию “Кадры из фильмов без названия”, используя стандартные типы женских образов, существующих в обществе, — от простушки и домохозяйки до работающей женщины и женщины “вамп”. Получилось шестьдесят семь постановочных сцен на тему голливудских фильмов 1950-х годов. В 1980-е появились новые темы, и Шерман обратилась к цвету и большому формату. Одной из первых серий нового цикла стала работа “Исторические портреты/Старые Мастера” (History Portraits/Old Masters), над которой Шерман работала около двух лет. Серия состоит из 35 фотографий. Используя накладные части тела, художница изображала героев из произведений старых мастеров живописи. Некоторые работы в серии отсылают к реальным полотнам, но в большинстве своём автор использует стандартные мотивы, характерные для произведений того времени. Все они выглядят как с трудом припоминаемые зрителем шедевры живописи. В коллекции Метрополитен-музея есть несколько работ, таких, например, как “Без названия” (1989). Художница начала работать над циклом в Нью-Йорке, но для этой фотографии, изображающей развратного монаха, она провела два месяца в Риме на блошиных рынках в поисках костюмов, которые позволили бы ей воплотить подобные образы. Еще одна работа — “Без названия № 87” (1981) из серии, где фотограф показывает себя втиснутой в горизонтальный разворот журнальной страницы. Зритель буквально нависает над героиней, которая ждет телефонного звонка. Она погружена в себя, она уязвима, быть может, получила какую-то психологическую травму или даже является жертвой насилия. Женщина, травмированная циничным и жестоким обществом, — вот главный лейтмотив цикла, ставшего поистине бестселлером. Цветной снимок Синди Шерман “Без названия №96” из этой серии, сделанный в 1981 году, стал самой дорогой в мире фотографией, проданной за 3,89 млн. долларов на аукционе Christie’s в 2011 году. Куда более важно, что Шерман — одна из первых художниц, что возвели фотографию в ранг актуального искусства.
10. 1994 Andreas Gursky. Schiphol. Chromogenic print. The Howard Gilman Foundation Gift, 1995, ї Andreas Gursky, The Metropolitan Museum of Art
Андреас Гурски родился в Лейпциге, получил образование в самом сердце Западной Германии, сначала в Эссене, а затем в Дюссельдорфе, где он был студентом знаменитой четы Бехер в Kunstakademie. Бернд Бехер и его жена Хилле создали новое направление, названное “топографической фотографией”. Для их эстетики характерны изображения, напоминающие съёмку для каталогов, бесстрастие, отсутствие каких-либо авторских толкований увиденного. Классическая техника фотографирования и типологический метод отсылают к работам другого знаменитого немецкого фотографа — Августа Зандера, который составил своеобразный каталог типов немецкого общества в 1920 году.
Гурский начал смешивать этот структурный подход с традициями северного пейзажа. Он создавал фотографии станкового размера. Поначалу это были довольно большие изображения, с мягко моделированным пространством — пейзажи, включающие множество нюансов цвета, в которых жили крошечные человеческие фигурки. В 1990-х годах он расширил масштабы своих фотокартин до размеров стены, а в сферу своих интересов включил городские пейзажи и интерьеры, созданные промышленностью, хозяйственной, коммерческой и другими сферами человеческой деятельности. Словом, это были поистине эпические полотна о современной жизни.
В фотокартине “Схипхол” художник заставляет зрителя любоваться стандартным видом из окон амстердамского аэропорта: в кадр попадают облака, низкий горизонт и совершенная геометрическая линия взлетно-посадочной полосы. Искусная подсветка облаков напоминает полотна старых мастеров, где небо наряду с мощными деревьями играет поистине драматическую и значительную роль. Романтическая тема — “вид из окна”; абстракция De Stijl эпохи конструктивизма. “Многослойные” пейзажи структурированы художником постмодернизма, вкладывающего в свое произведение немалую толику осмысления и восприятия, помимо визуального мотива. На поверхности остается пейзаж за стеклом — методично и аккуратно разделенная перспектива пространства, привычного для человека, находящегося в транспорте. Эта работа Гурского — не самая знаменитая и знаковая, но появление в Метрополитен-музее, чьи экспонаты охватывают всю историю изобразительного искусства, которую создало человечество за время своего существования, фотографии “звезды” мирового арт-рынка — смелый ход кураторов и хранителей.